'브루크너’란 단어를 대면 사람들은 대략 두 가지 유형으로 갈리기 마련이다. “그 지겨운 걸 어떻게 참고 들어요?” 혹은 “진실로 숭고하고 감동적입니다!” 브루크너에 대해 이렇게 선호가 갈리는 이유는 아마도 그가 사람들의 통상적인 기호나 취향에 발맞추기보다는 꿋꿋하게 자신의 것만을 추진해 나아갔던 것과 무관하지 않을 것이다. 혹자는 그것을 ‘만만디 정신’이라고도 하고 누구는 ‘초인적인 딜레탕트적 아집’이라고도 한다. 어쨌든 소박하지만 집요한 면모를 보이는 음악어법, 느리게 꿈틀대는 선율 윤곽, 그리고 오르간을 닮은 독특한 관현악법 등은 청취 집단을 찬동자와 반대자로 양분하고야 만다. 이런 ‘브루크너 문법’에 감화 받은 이는 넘치는 황홀경에 이른바 중독되는 것이고 그렇지 않은 이는 그런 현상을 도저히 이해하지 못하는 것이다.이러한 일은 브루크너 당대에도 허다했다. 브람스는 브루크너의 교향곡을 가리켜 “작품이라기보다는 하나의 도취상태이며 1, 2년 안에 잊혀질 것이다.” 라고 말하였고, 브람스를 옹호한 음악 비평가 한슬릭은 브루크너 교향곡 초연에 참석하여 친절하게도(?) 늘 신랄한 악평을 덧붙이는 것을 잊지 않았다. 반면 브루크너의 제자인 프란츠 샬크와 요제프 샬크, 구스타프 말러 그리고 말러의 동창생이었던 크쥐자노프스키와 한스 로트는 그의 열렬한 지지자 였다. 말러의 첫 출판물이 브루크너 교향곡 제3번의 피아노 편곡반인 사실은 결코 무심히 지나칠 수 없는 것이다. 슈베르트가 ‘천국적인 길이’로 교향곡을 만들듯이 번식하며 팽창하는 브루크너 특유의 작곡기법은 베토벤의 논리성을 추종하는 브람스파보다는 바그너파에 가까운 젊은 작곡가들을 자극했다고 할 수 있다.

	Symphony No. 9 in D minor BRUCKNER Sergiu Celibidache (conductor) SWR Stuttgart Radio Symphony Orchestra 1974/04/05 StereoDG

본 신보와 슈투트가르트 라디오 심포니 오케스트라 (이하 SRSO이라고 약칭함)과 뮌헨 필과 녹음을 비교해보면 21년의 시간차이가 존재하는 만큼 모든 상황이 다르다. 그러나 두 녹음에서 공해 절대 지울 수 없는 첼리비다케만의 향이 스며 나오는 점은 기존의 지휘자들이 본받아야 할 덕목이다. 브루크너 음악의 이상향을 찾아서 최종적으로 선택한 방향으로 가는 길목에서 차지하는 SRSO의 역할은 매우 중요하다. 뮌헨 필과의 연주가 매우 훌륭한 연주로 평가되는 것과 별도로, SRSO 연주 또한 그리 가볍게 지나칠 연주는 아니다. 이 녹음은 음향적인 기술이 많이 부족함에도 불구하고 첼리비다케가 고집스럽게 주장하는 면을 고스란히 담아내고 있다. 그리고 뛰어난 지휘자의 면모를 과시하는 여러 부분의 모습을 통해서 첼리비다케를 다시금 생각케 만드는 연주다. 첼리비다케는 뮌헨 필과의 탁월한 교감에 앞서서 SRSO를 통해서도 충분히 그 무한한 가능성에 대한 의지를 펼치고 있는 것이 확인된다. 결국 7번, 8번과 함께 발매된 DG의 첼리디다케 브루크너 에디션 1집 중에선 이 9번 연주가 가장 뛰어나다.

수많은 브루크너 음악 연주뿐만 아니라 다른 음악연주들에도 적용되겠지만 가장 뛰어난 연주가 지녀야 할 점은 무엇인가? 제일 먼저 갖추어야 할 점은 작곡자, 즉 브루크너가 원했던 것처럼 악보에 충실해야만 한다. 그리고 나서 이러한 것들을 바탕으로 지휘자는 악보 속에 감추어진 새로운 관점들을 청자들에게 던져줄 수 있어야만 한다. 전자가 충족되지 않은 상황에서 후자만 강조한다면 이는 그릇된 방향으로 가는 셈이 된다. 대부분의 지휘자는 전자를 충족시키기에도 급급한 상황이다. 최근 반트와 베를린 필과의 연주 (RCA)는 악보에 충실하고자 하였지만 뜻대로 이루어지지 않았다. 진실성이 부족한 음향 때문에 드러나는 아쉬움은 매우 안타깝다. 그리고 반트는 더 이상 진취적으로 나아가지 않았다. 음악적으로 더 새로운 성찰이나 고찰은 없었기에 상당히 내용적으로는 빈약함을 면할 수 없었다. 물론 첼리비다케와는 달리 5년이라는 세월 차가 존재하지만 설득력 있는 이유가 되지 못한다. 겉을 화려하게 꾸미더라도 속이 텅 비었다면 처음에는 잠시 귀를 혹할 수 있겠지만 마음까지는 무리이기 마련이다. 그러면 좀 더 자세히 첼리비다케의 SRSO와의 연주를 살펴보기로 하자.

1악장
빠르게 1악장을 열면서 주저하지 않고 곡을 진행시킨다. 지휘자는 음량 조절에 매우 신경을 쓰고 있으며 특히 18∼26 마디 (0:49∼1:07)에서 조절되는 음량은 아주 세심하다. 반면 홀의 잔향음이 많이 포함되기 때문에 반트와 NDR (RCA)의 연주처럼 뚜렷하고 굵은 선을 드러낼 수는 없다. 대신 첼리비다케는 미묘한 오케스트라의 음량 조절을 통해서 곡에 대한 엄청난 애정을 드러낸다. 이렇듯 연주에 매우 정성을 쏟고 있음을 쉽게 알 수 있는 것은 비록 리마스터링 과정에서 첨가된 인공적인 부분 덕택일지도 모르지만 첼리비다케는 기존의 다른 연주들보다는 무척 따뜻하고 깊은 맛을 내고 있는 점을 들 수 있다. 오케스트라의 밸런스적인 측면은 그렇게 훌륭하지 않지만 뻗어 나오는 소리가 작위적이다라는 느낌이 덜하기 때문에 거슬림 없이 받아들일 수 있다. 이는 74 마디 (2: 52)에서 마지막까지 울리는 트럼펫 소리를 통해 쉽게 알 수 있다. 음이 지향되는 공간감이 넓고 마지막까지 얇게 지속되면서 분산되는 음을 고려한다면 녹음 상태가 큰 걸림돌이다. 이 부분은 반트의 NDR 연주가 매우 선명하게 부각되는 등 훌륭한 면모를 보여주는 반면 첼리비다케의 뮌헨 필 연주 역시 반트의 NDR만큼 훌륭한 밸런스감각을 자랑하지 못하다. 반트와 베를린 필 연주는 이런 투티 부분에서 무참히 무너지는 등 우유부단한 모습을 나타낸다.

제시부 제 1주제까지의 첼리비다케는 매우 악보에 충실하려는 의도로, 악상 지시어에 표시된 부분이외에서는 오케스트라의 음량을 조절하는 등 매우 절제된 표현이다. 이 때문에 자칫 소극적인 표현으로 일관되기 쉬우나 이는 기우다. 또한 음량이 이렇게 절제되는 듯이 보이는 것은 녹음과 관련된 부분일 수도 있다. 전체적인 녹음레벨을 리마스터링되면서 저음보다는 중, 고음을 매우 가다듬은 노력이 엿보인다. 저음 과잉으로 성공적인 연주를 이끌어낸 음반이 적다는 점을 감안한다면 적어도 엔지니어의 선택에 공감한다. 이는 브루크너 교향곡 9번에서 콘트라베이스나 팀파니의 역할이 무엇인지를 제대로 알고 있다면 어떤 선택이 효과적인 표현인지는 분명하다.

전개부 (9:56)이후부터 코다까지도 악보상의 지시에 충실한 면을 보이며 갑작스런 템포변화보다는 안정된 진행을 우선한다. 현의 터치는 매우 부드러우며 금관은 큰 음량보다는 세밀한 표정에 중점을 두며 목관 역시 클라리넷을 중심으로 선명한 이미지를 줄 수 있도록 신경을 쓰고 있다. 코다 (22:11)로 접어들면서 목관, 금관 순으로 곡을 고조시키지만 마지막 코다가 끝날 때의 제 1트럼펫이 등장하는 563, 564 마디는 미온적인 형태로 접고 만다. 반트 (베를린 필)보다는 조금 낫지만 반트 (NDR)에 비하면 매우 약하다. 첼리비다케의 EMI 녹음과는 비교가 안될 만큼 약하게 진행하고 있다. 이것을 녹음이나 라이브 탓으로 돌리기엔 무리다. 재현부의 투티 밸런스로 볼 때 충분히 이 정도는 완성시킬 수 있음에도 불구하고 온건적인 표현으로 마무리짓는 것은 아쉬울 따름이다.

2악장
2악장은 항상 연주함에 있어서 딜레마에 빠지는 악장이다. 악보대로 연주하기 위해서 어떤 관점으로 이 곡을 연주할 것인가는 지휘자가 이 곡에 대해서 말하려 바와 직결된다. 먼저 이 악장을 일반적인 다른 작곡가의 스케르초 템포로 연주한다면 실제 템포는 엄청나게 빨라지게 되며 금관악기의 아티큘레이션이 문제가 된다. 이와는 대조적으로 템포 대신에 스타카토의 음을 정확하게 연주하려면 템포는 자연스럽게 느려지게 된다. 그렇기 때문에 이 악장은 브루크너의 스케르초 중에서도 가장 의미심장한 부분이다. 첼리비다케는 발터 (SONY), 번스타인 (DG)처럼 느린 템포를 선택하고 있으며 뮌헨 필 때와는 다른 구조적 특징을 나타낸다. 발터 쪽에 좀 더 가깝지만 발터보다는 더 브루크너적인 특징을 가졌다. 그러나 번스타인만큼 곡의 구조적인 대비를 극명하게 부각시키지는 않았지만 최종적인 결론에 도달하기 전의 첼리비다케로서는 충분히 인상적이다. 세부적으로 105∼114 마디 (1:51∼2:00)에서 발터와 번스타인의 프레이징은 질적인 차이가 있지만 형태상으로는 비슷한 표현법을 쓰지만 이와 대조적으로 첼리비다케는 악보대로 진행시킨다. 악보대로 진행시키지만 강렬한 투티를 바탕으로 이루어지는 점진적인 상승은 번스타인이 제맛이며 발터는 아주 약주부터 강주로 변화시키는 것 또한 색다른 재미를 부여한다.

3악장
제시부 제 1주제에서 17∼24 마디 (1:37∼2:20)는 호른의 선율을 바탕으로 진행되는 부분이며 트럼펫에 비해서 상대적으로 큰 음량이기 때문에 적절한 효과를 발휘한다. 번스타인이나 반트 (NDR)에 비하면 엄청나게 빈약하지만 그 멋은 살아 있기 때문에 나름대로 충분히 들어 볼만하다. 첼리비다케는 구조적으로는 매우 고전적인 스타일이지만 해석 자체는 보다  현대적인 방향이다. 호른의 주선율 사이에 등장하는 트럼펫을 매우 짧게 끊는 형태 (발터나 슈리히트 등)보다는 음을 길게 지속시키는 방향이 더 어울린다. 이런 부분들 때문에 이 첼리비다케의 연주가 그의 브루크너의 과도기적인 모습을 들려준다. 그래서 뮌헨 필 연주에서는 더욱 음이 길어지면서 깊은 사색의 늪으로 빠뜨린다. 이 부분의 매력적인 호른소리는 깊은 내면으로 자아를 몰입하게 만드는 역할을 한다.

전개부에서는 제 1주제와 2주제가 번갈아 가면서 곡을 변화시키며 곳곳에 첼리비다케의  박자 짚는 구둣발 소리는 또 하나의 타악기인 셈이다. 재현부의  제 1주제 (18:11∼19:57)로 넘어가면서 커다란 투티를 정점으로 서서히 곡은 코다로 치닫는다. 마지막 모든 힘을 발휘하면서 투티를 이루지만 금관의 힘이 모자라서 현과 끝까지 일치하지 않지만 반트 (베를린 필)보다는 훨씬 강력한 투티를 형성하며 경과구로 치닫는다. 곡은 점차 플룻, 금관, 현으로 천천히 끝맺는다.

결론적으로 이 연주는 최후의 뮌헨 필의 연주를 잘 이해할 수 있는 기본을 마련해 줄 수 있다는 데 그 의의를 찾을 수 있다. 이 연주를 듣고 뮌헨 필의 연주를 다시 듣게 된다면 첼리비다케가  평생 추구한 브루크너의 결론에 대해서 좀 더 쉽게 이해할 수 있을 것이다. 중간 과정을 상실하고  마지막 결과만 가지고서는 그 참뜻을 이해하기가 힘든 만큼 이 연주는  첼리비다케의 연주에 대한 이해의 열쇠에 해당하는 것이다. DG에서 많이 음색 보정에 신경을 섰으며 이로 인해 매우 따뜻한 감정이 살아났다. 그러나 한껏 부드러움만 강조하는 것이 아니라  더욱 미세한 부분까지 표출하고자하는 의도를  반영한다. 녹음소스가 그렇게 탁월한 음색을 제공하지는 못하지만 음악 외적인 부분에서  첼리비다케의 솜씨가 드러나는 연주다.